pour préparer l’exercice 2 nous avons continué à visionner et analyser des extraits de films avec notre professeur et notre intervenante Mariette Feltin. In order to prepare the exercise 2 we watched and analyzed some long takes with our teacher and our film director Mariette Feltin.
Parmi les plans-séquence qui nous ont marqué, on peut citer celui de La Soif du mal de Orson Welles et aussi Une Journée particulière de Ettore Scola. Ce dernier nous permet de bien nous rendre compte de la disposition de l’appartement et qu’il fallait vraiment bien préparer la scène. Some long takes really impressed us. For example, we really liked the one in Touch of Evil by Orson Welles and in A Special Day by Ettore Scola.
Nous nous sommes aussi amusés à « découper » le plan-séquence de Woman on the Beach de Hong Sang-Soo. Nora et Umit ont chacun proposé un découpage différent. We also tried to cut and edit the long take in A Woman on the Beach by using screen captures. Nora and Umit each provided a different version of it.
Nous voici en train de préparer l’exercice 2. Here we are preparing the exercise 2.
Nous avons regardé un extrait de Week-end (Jean-Luc Godard, 1967), quand le couple part en voiture, et avons observé les déplacements des corps dans l’espace, les effets de doubles scènes, de la profondeur de champ, le foisonnement des éléments qui ne sont pas surlignés par le découpage :
Enfin, nous avons comparé deux séquences dans deux films différents, qui mettent toutes deux en scène la même situation : un embouteillage – l’une en plan-séquence (toujours dans Week-end, le célèbre travelling) :
et l’autre de façon découpée (l’arrivée dans Rome sur l’autoroute dans Fellini Roma, de Federico Fellini (1972,V.O. italien) :
www.youtube.com/watch?v=X9uz11k4Yxw
Nous nous sommes demandé : dans un cas, qu’apporte le plan-séquence ? Dans l’autre, le découpage ?
Si nous avons trouvé plus vivant l’extrait de Fellini, nous avons remarqué davantage de suspense dans la séquence de Godard (car on se demandait quand et sur quoi le travelling allait se terminer.) L’ennui participe aussi de ce suspense.
Nous avons aussi noté les différents éléments surprenants placés par les deux cinéastes pour faire vivre le plan (ou la séquence) sur la longueur (les animaux, les personnages excentriques).
C’était une séance très riche !
L’atelier cinéma du collège Joliot Curie à Pantin.
Le mercredi 18 décembre, nous avons regardé des vues Lumière.
Nous avons alors abordé la question des repérages afin de bien choisir le sujet, le lieu, l’heure, la lumière.
Nous nous sommes ensuite mis en situation dans la classe en imaginant tout ce à quoi il fallait penser quand on veut faire un plan : place, axe, hauteur, distance (focale), cadre.
Selon les vues, on a pu noter quelle place était faite à l’existence du hors-champ.
En regardant les vues Lumière, nous avons essayé de repérer, pour nos propres plans que nous allons tourner, le rapport entre ce qu’on peut anticiper et ce qu’on ne peut pas prévoir.
Nous nous sommes dit qu’un plan, cela pouvait être comme une expérience scientifique : on met deux ou trois éléments en co-présence, on enregistre, et on regarde ce qui se passe.
Nous avons alors un peu parlé des poins communs et des différences entre le cinéma et la peinture, la photographie, le théâtre.
Nous avons aussi regardé les vingt premières minutes de Louis Lumière, le film documentaire d’Éric Rohmer (1968), dans lequel Rohmer s’entretient avec Jean Renoir et Henri Langlois, au sujet des vues Lumière.
Les messieurs sont en costume et bien installés dans leur fauteuil, mais ce qu’ils disent est très intéressant. Ce film donne par ailleurs l’occasion de regarder beaucoup d’autres vues Lumière.
En voici un extrait (sous-titré en espagnol) :
Cet extrait est assez amusant car Rohmer dit des bêtises (le fait-il exprès ?) ; Renoir explique en quoi le découpage n’est pas supérieur à un seul plan ; Langlois précise en quoi les films Lumière sont mis en scène. Il insiste sur l’importance du repérage, sur le choix de l’angle de prise de vue, sur la variété des valeurs de plan. « Ce n’est pas le hasard. C’est la science.«
Le mardi 13 Janvier, toute la classe est partie s’imprégner du monde cinématographique en visitant le Musée du Cinéma de Gérone.
L’ évolution des techniques de tournages nous a surpris. Le matériel utilisé ( caméra, visionneuse, costumes, accessoires) a beaucoup changé dans les 100 dernières années.
Masques et accessoires de films (Batman, Mars Attack...)
Nous avons pu voir également des décors de films connus.
Nous avons profité de cette sortie pour visiter une partie de la ville de Gérone, ses rues pavées, sa rivière encastrée et sa cathédrale.
Le mercredi 4 décembre, nous avons d’abord regardé un extrait des Demoiselles de Rochefort, de Jacques Demy (1967), quand, au début du film, la caméra – et le spectateur – passent de la place de la ville à la salle de danse :
Nous avons repéré que l’enjeu de la séquence était de nous amener petit à petit vers les soeurs, qui donnent le titre au film, tout en les inscrivant dans la ville de Rochefort, au milieu des autres habitants et des forains qui arrivent. Nous avons vu que, pour que le plan-séquence ne paraisse pas trop arbitraire, Demy aidait le panoramique par la musique et les gestes des danseurs, et comment on passait de la musique des forains au thème joué au piano par Françoise Dorléac. Nous avons aussi remarqué que les accessoires, comme les échelles disposées dans le décor, permettaient, parce qu’on pouvait les déplacer, de rendre naturels les mouvements de caméra, et à la grue de monter vers la fenêtre en même temps qu’un forain : on découvre alors les soeurs qui entrent dans le cadre, dans l’action, et leurs déplacements sont toujours liés à la musique. L’utilisation de la figuration et des couleurs nous a aussi marqués.
Le 1er extrait : Peau d’Âne de Jacques Demy, 1970 (France)
La caméra filme au début la fenêtre (il pleut, il y a des orages). Nous sommes dans une scène dramatique : le roi est au chevet de la reine, elle va mourir. la caméra filme d’abord le roi et la reine ensemble, puis séparément pour finir sur le roi. La caméra annonce la mort de la reine et la séparation définitive des deux personnages. Le roi cadré seul à la fin de la scène montre qu’il est déjà éloigné de la reine.
Le 2ème extrait : Le fils, les frères Dardenne, 2001 (Belgique)
Au début, la caméra filme le professeur et son élève séparément pour montrer la gêne entre les deux. L’élève s’amuse à mesurer la distance entre eux avec une règle. La caméra finit par les rassembler dans le même plan parce que les deux personnages ont créé un lien. La caméra filme la pudeur de cette rencontre.
Le 3ème extrait : Shara, Naomi Kawase, 2003 (Japon)
Au début, la caméra filme le chemin et les feuillages de façon aérienne (elle tremble), puis elle s’approche du banc et des personnages qui se donnent timidement un baiser. La caméra les filme avec pudeur, elle tourne autour d’eux en restant un peu à distance.
En décembre, nous avons tourné nos minutes Lumière.
Nous avons visionné beaucoup de films Lumière et nous avons dégagé plusieurs figures et procédés qui revenaient souvent : défilements, doubles scènes, décentrements, caméras embarquées, changement d’échelle par les déplacements des personnages…
Nous avons ensuite réfléchi aux endroits et aux moments que nous allions choisir pour filmer nos propres minutes et nous avons constitué de petites équipes.
Nous avons profité de la période qui précédait Noëls pour filmer les préparatifs et les festivités du mois de décembre.
Nous mettrons très bientôt nos minutes en ligne. Pour l’instant, voici quelques photos de tournage:
Nous sommes 15 élèves issus de classes différentes de première.
Nous nous réunissons avec notre intervenante quatre fois dans l’année pour des cours pratique.
Dans notre première module on a finalisé les minutes lumières et on a développé des idées pour les mises en scène…à suivre.
En outre on a régulièrement des rendez-vous au Filmmuseum de Vienne pour visionner des films et en discuter. En voici la liste: THE KILLERS de Robert Siodmak,THE ANTHEM de Apichatpong Weerasethakul, 10 MINUTES OLDER de Herz Frank.
Les discussions ont tournées autour du plan séquence et des mouvements de caméra.
Nous avons visionné aussi 2 films des Frères lumière (L’Arrivée d’un train à La Ciotat, L’Arroseur arrosé). Le principe: regarder la première image des films, pour ensuite avancer une hypothèse de scénario avant de les regarder en entier.
Notre deuxième module pratique aura lieu fin février ou nous finaliserons les mises en scène de deux minutes. Nous alimenterons davantage le blog à cette occasion.
La 1ere fois qu’il est venu à l’atelier, notre intervenant, Michael Dacheux, a pris le temps de se présenter à nous ; il réalise des films et il anime aussi d’autres ateliers avec des adolescents, parfois pendant les vacances scolaires. Il nous a expliqué ce qu’il aimait dans le fait de travailler avec des ados, et ce que cela lui apportait.
Nous avons ensuite visionné 3 plans séquences, dont vous trouverez les liens ici :
Nous les avons beaucoup aimés, parce qu’ils étaient très différents et assez marquants :
Le film US go home de Claire Denis.
Ce film raconte l’histoire d’une fille de 15 ans dans les années soixante. Elle veut tout faire pour perdre sa virginité.
le plan séquence dure un peu plus de 3 minutes .On voit un adolescent, il met un disque et se met à danser tout seul dans sa chambre. Le plan dure toute la durée de la chanson, la caméra bouge très peu, le cadre est très serré ; on a l’impression que le personnage est prisonnier du cadre, en même temps, on est très proche de lui ; on a vraiment l’impression de partager son intimité ou de pouvoir l’observer en cachette, lors d’un moment très privé. On imagine bien que la réalisatrice a juste donné quelques indications à l’acteur, mais qu’il improvise beaucoup au fur et à mesure, que c’est lui qui décide des gestes et du rythme ( à un moment il s’affale sur son lit, puis il repart).Elle lui a peut être conseillé de prendre une cigarette, pour l’aider à trouver quelque chose à faire, en attendant de se mettre à danser, on pour se donner une contenance.
Le film Le schpountz de Marcel Pagnol raconte l’histoire d’un homme qui devient la risée d’une équipe de tournage d’un film , venue dans son village : ils lui font croire qu’il est un grand acteur et qu’une carrière l’attend à paris, en réalité , ils se moquent de lui.
Dans cet extrait, » le schpountz » comme on l’appelle, essaie de démontrer ses talents d’acteurs aux membres de l’équipe du tournage en se moquant de lui.
Il répète plusieurs fois la même phrase, en lui donnant à chaque fois une tonalité différente ( dramatique, comique etc..).On voit que la scène a été tourné en plan séquence et en une seule prise, car la caméra se rapproche tout doucement du personnage, d’une façon presque imperceptible.Pourtant le réalisateur a décidé d’insérer des images de la réaction de l’équipe, pour montrer qu’ils se jouent de lui.C’est presque un » faux » découpage.
A la fin de la scène, il chante une chanson, c’est une vraie performance, là encore il s’agit d’un plan séquence, le texte et le rythme de la chanson sont assez complexes.Les paroles font plutôt sourire , et l’on se dit que là encore, il est le sujet de toutes les moqueries de l’équipe, pourtant à la fin du plan il se passe quelque chose d’inattendu: le personnage s’éloigne de la caméra, fait une pirouette et esquisse quelques pas de danse, ce qui procure une certaine émotion.
Dans cette séquence, il s’agit également d’un plan séquence de performance; l’actrice Rita Hayworth réalise une danse assez osée et suggestive.Le réalisateur a tourné cette séquence en plan séquence mais à la fin de la scène il y a aussi du découpage, il s’éloigne du personnage, ou insère des plans sur le public, notamment un homme qui observe très attentivement Gilda et l’a remarquée.
Cette scène est très célèbre car elle était très osée pour l’époque, ou la censure était très présente pour traquer les sous entendus sexuels.
Pour préparer l’exercice des minutes Lumière, nous avons regardé beaucoup de ces films des premiers temps : La petite fille et le chat, l’attelage de camion, les lavandières, l’arroseur arrosé… Et puis nous avons regardé des extraits de films plus récents. Un extrait de Belovy (Kossakovski) où le personnage principal passe du rire aux larmes en écoutant un enregistrement (on peut voir ce magnifique plan séquence là ), Ten minutes older, plusieurs passages de Récréation de Claire Simon. Un travail en classe collectif, puis individuel. Après chaque séance, le carnet de bord est mis à jour.
On a réalisé les minutes individuelles petit à petit, puis nous avons travaillé sur Les lavandières pour mettre en place une minute collectivement! Les élèves ont travaillé sur ce plan en lien avec les mathématiques en résolution de problèmes : travaillant sur le schéma du plan, dessinant le cadre, les différents niveaux du plan…
Beaucoup d’étages, de personnages, d’actions distinctes, le « pendant que »…
Cette nouvelle minute collective est un peu plus compliquée que les autres !
on se prépare après le choix du lieu et des personnages (et des actions) on dessine le plan au sol, on réfléchit à la place de la caméra, puis on part au jardin naturel mettre en place la minute
On aura 4 ensembles de personnages un beau premier plan ( de beaux changements d’expressions), une action vive et dynamique, une autre plus sereine et papillonnante, une observatrice, un déplacement : tout ça mis en scène. Et en plus nous avons eu des passants qui ont enrichi notre minute ! On comptait bien sur l’imprévu du réel pour avoir encore plus d’éléments… une bonne préparation pour le second exercice…
